Celebrando o Dia Mundial do Hip Hop, o movimento que há 50 anos desafia a marginalização e se tornou uma força cultural global, é impossível ignorar os quatro pilares que o sustentam: DJ, MC, graffiti e breaking. Nascido nas ruas do Bronx em 1973, esse movimento pulsante se enraizou no Brasil em 1980, desabrochando em São Paulo, a chamada "berço do Hip Hop brasileiro".
A história do Hip Hop remonta ao final dos anos 60 e início dos anos 70 no Bronx, bairro de Nova York. Nasceu como uma resposta artística e cultural às condições sociais adversas, à violência e à marginalização que predominavam na época. Seus quatro elementos emergiram como formas de expressão genuínas para a juventude urbana.
Nascimento nos Estados Unidos:
Kool Herc: O Mito Jamaicano que deu Luz ao Underground Urbano
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| Lendário Kool Herc |
Na encruzilhada das batidas e rimas, onde o concreto ecoa a revolução cultural, surge um mito, uma lenda do som, Kool Herc. Clive Campbell, esse é o nome por trás do DJ que não apenas fez história, mas ergueu um império sonoro nas ruas do Bronx. É como se o Hip Hop tivesse um pai e esse pai fosse o ousado e visionário Kool Herc.
Poucos podem reivindicar o título de fundador de uma cultura, mas Herc, com suas block parties, suas mixagens mágicas e seu olhar destemido para o desconhecido, moldou o que hoje chamamos de “cultura Hip Hop”. Suas festas no bairro, onde as batidas ecoavam pelas ruas, foram o epicentro de uma revolução sonora que viria a abalar os alicerces da música.
1520 Sedgwick Avenue
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| Faixada do prédio da 1520 Sedwick Avenue |
Imagine um jovem Clive Campbell, um observador das vibrantes festas jamaicanas, onde os sistemas de som ecoavam pela noite. Essa energia, essa pulsação, ele trouxe consigo para o Bronx, para o lendário 1520 Sedgwick Avenue, onde suas festas se tornaram lendas, marcos simbólicos da “data de nascimento” da cultura hip hop.
Com dois toca-discos e uma visão audaciosa, Kool Herc fez mais do que tocar músicas; ele deu à luz um movimento. O isolamento dos breaks, a fusão de instrumentais e a transformação de músicas como "Sex Machine" de James Brown em mixagens épicas, foram a argamassa para construir as bases do hip hop.
O Bronx, naquela época, fervilhava com gangues e desafios. Mas no meio dessa paisagem caótica, Herc ergueu uma torre de batidas e rimas que desafiavam o status quo. Seus turntables eram a paleta e o hip hop, a obra de arte em evolução constante.
1520 Sedgwick Avenue, mais do que um endereço, é um santuário para os devotos da cultura hip hop. O local de nascimento, o berço das rimas e batidas que ecoam até hoje nas mentes e ruas onde o hip hop encontra seu verdadeiro lar.
Herc não só era um mestre das mixagens, mas também um visionário. Ele antecipou a chegada dos b-boys e b-girls, os verdadeiros artistas do breaking, e influenciou mentes como Afrika Bambaataa e Grandmaster Flash.
| convite para a festa de Kool Herc e Cindy Campbell em 11 de agosto de 1973 |
Nas festas de Herc, o Bronx não era apenas um cenário, mas um protagonista. Uma terra marcada por incêndios criminosos e violência de gangues, mas que encontrou na música uma faísca de esperança, uma voz que se ergueu para ser ouvida.
Se hoje olhamos para trás e vemos a cultura Hip Hop como um farol de autenticidade e resistência, devemos lembrar de Kool Herc, o pioneiro que pegou os discos de funk e transformou o som das ruas em uma revolução musical.
As festas, os murais comemorativos, a renomeação de ruas em sua homenagem, são testemunhos da imortalidade de seu legado. O 1520 Sedgwick Avenue pode ter sido seu palco, mas o mundo foi seu público, absorvendo cada batida, cada rima, como um evangelho do Hip Hop.
Na trajetória do underground urbano, Kool Herc permanece uma figura lendária, um arquiteto sonoro que construiu mais do que festas; ele construiu um movimento, uma voz para as ruas, um legado que ressoa além do tempo, além dos muros e além das convenções.
Assim como os turntables giravam sob os dedos habilidosos de Kool Herc, a história do hip hop continuará girando, encontrando inspiração e força no legado de um jamaicano que transformou batidas em mito e transformou o Bronx em um altar sagrado da música urbana.
Quem Inventou o Hip Hop?
Hip Hop significa sacudir o quadril (hip – saltar, hop – quadril). Para a pesquisadora Nilma Lino, sacudir o quadril deve ser entendido no sentido de ter “jogo de cintura”, saber agir e reagir diante de uma sociedade excludente e discriminatória. Esse termo foi cunhado por Afrika Bambaataa em 1979 (ou 1978?), e foi o DJ o responsável em juntar os quatro elementos que dão corpo a cultura.
Afrika Bambaataa: A Batida do Guerreiro do Groove
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| Afrika Bambaataa |
Na efervescência do Bronx, onde os sons se misturavam com a energia das ruas, nasceu um visionário, um mestre das batidas, o lendário Afrika Bambaataa. O homem, o mito, o groove, nascido Kevin Donavan ou talvez Lance Taylor, quem se importa? O que importa é que Bambaataa não apenas moldou o hip hop, mas forjou um legado sonoro que ecoa até hoje nos cantos escondidos da cultura underground.
Nascido e criado no coração pulsante do Bronx, Bambaataa viu além das gangues e das brigas de rua. Sua jornada começou nas fileiras dos temidos Black Spades, mas foi sua visão que o elevou além das lutas sem sentido. Ele viu que o poder estava na música, na batida que ecoava pelas ruas e unia mentes, não punhos.
A Zulu Nation, sua criação, não era apenas uma banda; era um movimento, uma revolução sonora que unia DJs, MCs, grafiteiros, bboys e bgirls num cenário de transformação cultural. Bambaataa, o maestro dessa sinfonia urbana, misturou sons que iam de James Brown, o pai do funk, ao eletrônico inovador de bandas como Kraftwerk.
"Planet Rock", essa foi a faísca que incendiou o Hip Hop, um hino que ecoa pelos becos e vielas até os clubes mais underground. Mas Bambaataa não parou por aí. Ele ousou ir além das fronteiras do hip hop, moldando sons que influenciariam o miami bass, o freestyle, e até mesmo encontrariam eco no funk carioca décadas depois.
Ele foi mais do que um DJ, mais do que um cantor, mais do que um ativista. Bambaataa foi um alquimista sonoro, transformando batidas e rimas em ouro, erguendo uma ponte entre culturas e gerações, unindo o passado e o futuro numa única vibração.
E não foi só no estúdio ou nas festas que Bambaataa deixou sua marca. Ele liderou o Movimento Libertem James Brown, foi um dos primeiros a trabalhar com o próprio mestre do funk, unindo forças para gravar “Unity”.
Sua influência transcendeu ruas e barreiras geográficas. Seus ritmos reverberam nas festas clandestinas, nos corações rebeldes que buscam autenticidade. Nas origens do miami bass, na energia do freestyle, nos ritmos que incendiaram o funk carioca anos mais tarde, Bambaataa deixou sua pegada, sua assinatura sonora.
E mesmo agora, quando olhamos para trás e vemos a história do Hip Hop, não podemos ignorar o legado de Afrika Bambaataa. Ele foi mais do que um pioneiro; ele foi a própria essência da batida que ecoa, ainda hoje, nos ouvidos sedentos por autenticidade e na alma da música underground. Ele não apenas moldou o hip hop; ele moldou o próprio som da rebeldia, do groove e da revolução.
Graffiti: Arte que Pulsa nas Veias do Hip Hop
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| Graffiti: o colorido sobre o cinza |
Em meio aos ruídos das metrópoles, o graffiti emerge como um grito de liberdade, um movimento que transcende paredes e se enraíza nas entranhas do Hip Hop. O que para alguns são apenas rabiscos, para outros é a expressão mais pura e autêntica das ruas, um código visual que transmite a voz das periferias, uma arte que não se contém, que desafia e transcende.
O graffiti é mais do que a pintura em paredes; é a ressonância das lutas sociais, a insurgência de uma comunidade que se viu privada de voz. Originário das comunidades negras do Bronx, Nova Iorque, seu nascimento foi marcado pela transgressão, pela necessidade de demarcar território num cenário de “guerra civil” entre gangues. No entanto, o que começou como uma demarcação de poder transformou-se numa expressão artística poderosa.
A história do graffiti entrelaça-se com a história das tensões sociais. Suas inscrições já foram símbolos de protesto em Paris, marcaram o descontentamento em Berlim e, nos guetos nova-iorquinos, foram o grito das periferias pela justiça. Tags misteriosas, codinomes secretos como Taki 183, iniciaram um movimento que transcendeu fronteiras, levando a identidade e a resistência negra para o coração das cidades.
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| Taki 183 |
A relação entre a black music e o graffiti é como um casamento perfeito nas festas da comunidade. Enquanto os MCs entoam suas rimas, os grafiteiros desenham ao ritmo do rap, transformando as black parties em uma celebração dos elementos fundamentais do Hip Hop.
As capas dos vinis tornaram-se telas para os grafiteiros, inserindo sua arte no âmago da cultura negra, conquistando cada vez mais visibilidade. Porém, o graffiti não se limita à legalidade ou ilegalidade; ele é um embate entre duas lógicas. Aqueles que optam pelo “bombing”, pela ilegalidade, buscam expressar sua identidade e reivindicar espaços na cidade, enquanto os que buscam o “hall of fame” buscam reconhecimento institucional.
Essa dualidade causa fissuras na comunidade, debates fervorosos sobre a verdadeira essência do graffiti no movimento Hip Hop. Afinal, ele é a voz das ruas, o grito de resistência ou uma manifestação de reconhecimento institucional? Essa é a dialética que permeia a essência do graffiti, seu lugar de marginalidade no seio do Hip Hop.
O graffiti não é apenas uma pincelada colorida nas paredes cinzas da cidade. É a história de uma cultura que transborda, que vive e pulsa nas veias das ruas. É o código visual de uma comunidade marginalizada, um reflexo da luta e da autenticidade das periferias, uma expressão que desafia os padrões estabelecidos e se inscreve na história como um grito de liberdade.
Breaking: A Revolução do Moinho de Vento
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| Breaking: das ruas para as Olimpíadas |
Nas ruas agitadas de Nova Iorque, em meio aos anos 70, surgia um movimento que transcendia a dança para se tornar uma linguagem de resistência e liberdade. O breakdance, conhecido também como breaking, foi um terremoto cultural, uma resposta criativa às gangues de rua que se alastravam pela cidade.
A história do breaking é um caldeirão de influências. Surgiu das entranhas do Uprockin, do Popping, Locking e até da Capoeira. Uma explosão de movimentos, transições e expressões, uma dança que não se limitava ao corpo, mas reverberava como um grito de liberdade.
Nos dias atuais, o breaking não é apenas uma forma de recreação ou competição. É um fenômeno global, um estilo de vida que atravessa fronteiras. Tornou-se tão emblemático que até o COI o incluiu no programa esportivo da Olimpíada de Paris 2024. O que um dia foi marginalizado agora é abraçado pelo mundo.
Mas as origens dessa dança remetem a uma Nova Iorque dividida. Na época, Mister Dynamite, James Brown, não apenas entoava canções, mas também moldava toda uma geração com sua dança, o Good Foot. No Brasil, esse estilo foi adotado como Soul, marcando os ritmos dançantes que invadiram as ruas.
No Bronx, o Good Foot deu origem ao Top Rocking, enquanto no Brooklyn, o Up-Rock exalava uma dança provocativa, uma arte de provocar sem lutar, onde o confronto era pura malandragem. Essas danças, apesar de suas diferenças, culminaram na unificação do B-boying.
O breaking não se limita a movimentos, ele se divide em quatro elementos fundamentais: Toprock, Downrock, Power Moves e Freezes. Cada um é uma expressão única, uma forma de comunicar, uma explosão de criatividade e domínio do corpo. É a dança que desafia a gravidade, que transforma o asfalto em um palco de liberdade.
Os bboys são os verdadeiros arquitetos de um movimento que transcendeu o simples entretenimento para se tornar um manifesto de identidade. São os artistas do asfalto, os rebeldes que desafiam a ordem estabelecida com sua arte.
O breaking é mais do que uma dança. É uma filosofia urbana, um grito de liberdade em meio ao caos das cidades. É a representação da juventude marginalizada, uma expressão que não se cala, que não se limita. É o ritmo das ruas, o bater de corações que ecoa por todos os cantos.
Delicias de Rap! Sugar Hill Gang e a Revolução que Sacudiu o Hip Hop
Sugar Hill Gang Michael “Wonder Mike” Wright, Henry “Big Bank Hank” Jackson e Guy “Master Gee” O’Brien
Quando se trata do que veio primeiro, se é o ovo ou a galinha, a discussão sempre esquenta, e no mundo do rap, não é diferente. A lenda viva “Rapper’s Delight” do Sugar Hill Gang, lançada em 16 de setembro de 1979, é como o epicentro de um terremoto musical, sacudindo o Hip Hop em seu âmago e ainda ecoando nos ouvidos dos amantes do gênero até hoje.
Por mais que haja uma controvérsia sobre ser ou não o pioneiro do rap gravado, não se pode negar que essa faixa foi o carro-chefe que desbravou o caminho do Hip Hop para as massas. A base do hit, amarrada ao clássico “Good Times” da banda Chic, fez história ao iluminar um gênero que até então pulsava nas ruas do Bronx, em Nova York.
Mas oh, as polêmicas! Os bastidores sempre guardam as cartas mais suculentas. Big Bank Hank, um dos talentos do Sugar Hill Gang, é acusado de ter “sampleado” algumas rimas do DJ e MC do Bronx, Casanova Fly, agora conhecido como Grandmaster Caz. Uma contenda que rendeu até uma diss do Caz em “MC Delight”.
E aí vem a questão dos direitos autorais! O uso do sample principal de “Good Times” resultou em ameaças de processo. Nile Rodgers e Bernard Edwards, da banda Chic, surpresos com o groove do Sugar Hill Gang, acabaram se tornando coautores da canção.
Essa explosão musical, embora não tenha sido a primeira gravação de Hip Hop, foi, sem dúvida, a que causou o maior estrondo imediato. O primeiro raap do mundo é creditado à música “King Tim III (Personality Jock)”, da Fatback Band, lançado em 25 março de 1979. Já "Rapper's Delight" foi a primeira música a citar o termo "hip-hop" nas linhas "I said-a hip, hop, the hippie, the hippie / To the hip hip hop-a you don't stop the rock". Não é à toa que foi imortalizada no Registro Nacional de Gravações da Biblioteca do Congresso americano e teve seu lugar de destaque no Grammy Hall of Fame. Se essa música pudesse falar, diria: “I got the sound that will make you get down!”
A influência se espalhou como fogo em capim seco. “Rapper’s Delight” foi o gatilho para muitos outros hits e grupos do Hip-Hop. De Kurtis Blow a Grandmaster Flash and the Furious Five, Spoonie Gee, The Sequence, até mesmo Blondie arriscou os passos no território do Hip Hop.
Para os curiosos e amantes do Hip Hop, essa faixa é uma enciclopédia musical viva. Uma aula sobre as raízes, os embates e a evolução do gênero. É a batida que mudou a história, que tirou o rap das vielas do Bronx e o lançou para o mundo.
Expansão Global: Hip Hop - A Revolução que Tomou o Mundo nos Anos 80
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| N.W.A. um dos revolucionários do Hip Hop mundial |
Num mundo onde o Hip Hop não era apenas música, era um movimento, uma revolução cultural que se alastrava pelas ruas como um incêndio imparável. O Hip Hop, oriundo do Bronx, não tardou em ganhar o mundo e foi nos anos 80 que essa explosão se tornou uma realidade global, atravessando fronteiras e se enraizando nos corações e mentes de milhões.
Os Estados Unidos foram o epicentro desse terremoto musical e cultural. Enquanto na Costa Leste nomes como Public Enemy, Beastie Boys, Kurtis Blow e Run-DMC reverberavam, na Costa Oeste surgiam os icônicos N.W.A. com sua mensagem crua e realista sobre a vida nas ruas de Compton. Era o surgimento de um gangsta rap que se tornaria uma voz para as realidades cruéis enfrentadas por muitos nos guetos urbanos.
Public Enemy, com suas letras afiadas e politizadas, não apenas incendiava as pistas de dança, mas incitava a reflexão e a consciência social. Era uma explosão de protesto embalada por batidas quebrando fronteiras e desafiando o status quo.
Os Beastie Boys, com seu estilo irreverente e batidas contagiantes, provaram que o Hip Hop não conhecia barreiras. A mistura de rap, punk e rock deu ao mundo uma nova perspectiva sobre a diversidade e versatilidade do gênero.
Mas não se pode esquecer de outras vozes que ecoavam nessa época. LL Cool J, Queen Latifah, Grandmaster Flash, Salt-N-Pepa, todos deixaram sua marca indelével na história do Hip Hop, moldando não apenas a música, mas também a moda, a linguagem e até mesmo a política.
O Hip Hop, contudo, não era exclusividade dos Estados Unidos. Rapidamente, seu ritmo frenético e sua mensagem de resistência conquistaram territórios distantes. Na Europa, grupos como o britânico MC Dizzy Heights ou os alemães Die Fantastischen Vier provaram que o Hip Hop era uma língua universal de expressão e resistência.
A América Latina não ficou para trás. Do Brasil ao México, o Hip Hop ecoava nas favelas, denunciando a realidade das periferias, dando voz aos marginalizados e transformando a cultura local.
A expansão do Hip Hop não foi apenas geográfica; foi uma expansão de ideias, de liberdade, de uma narrativa que desafiava as normas estabelecidas. Foi uma revolução que se tornou trilha sonora para a juventude que buscava identidade, que clamava por mudanças, que se insurgia contra as injustiças.
Hoje, o legado dos anos 80 continua a reverberar. O Hip Hop transcendeu fronteiras, se transformou, se reinventou, mas manteve sua essência rebelde e sua capacidade de dar voz aos marginalizados, de desafiar o establishment e de ser uma força motriz para a mudança.
Os anos 80 não foram apenas uma década; foram o berço de uma cultura que se tornou uma força global. O Hip Hop, com suas batidas pulsantes e suas letras carregadas de significado, continua a ser não apenas música, mas uma filosofia de vida, uma ode à resistência e uma celebração da diversidade. É um legado que perdura, um movimento que transcende o tempo e se mantém como um farol para aqueles que buscam sua voz na escuridão da sociedade.
A chegada do Hip Hop ao Brasil
Miele e o "Melô do Tagarela"
Nos anos 80, a Rua 24 de Maio, no centro de São Paulo, era o epicentro da revolução. Os jovens se reuniam, os passos de dança ecoavam no chão liso próximo à estação de metrô São Bento. Era o embrião de um movimento que mudaria a história cultural do país: o Hip Hop.
Porém, antes disso, um humorista foi responsável pelos primeiros acordes do rap brasileiro. Quando se fala de rap no Brasil, muitos não associam o nome Luiz Carlos Miele ao gênero. Mas pasmem: o multifacetado Miele, conhecido por sua influência na bossa nova e na MPB, pisou nas raízes do rap com “Melô do Tagarela”. Essa faixa, lançada em 1980, é considerada pelos entendidos como o marco zero do rap em português por aqui. Uma releitura do “Rapper's Delight” do Sugarhill Gang, essa música levou a assinatura de Miele e Arnaud Rodrigues.
Miele, no entanto, não mergulhou mais fundo no rap. Mas mesmo não sendo uma figura constante no gênero, sua contribuição foi reconhecida por veteranos da cena. DJ Hum, em 2013, expressou a honra de ter conhecido Miele, ressaltando a importância de “Melô do Tagarela” nas festas da época. E essa música, com sua batida funky e versos que retratavam a realidade brasileira, era a queridinha das pistas.
Jair Rodrigues também é lembrado, não pelo rap, mas por seu estilo de cantar, que influenciou futuros rappers. Sua música “Deixa isso pra lá”, lançada em 1964, tinha uma cadência recitativa, algo que lembra muito o rap.
Outro marco da transição do hip hop nos anos 80 foi o surgimento do breaking em programas de TV e até em novelas. A dança de rua que ecoava o emergente movimento do Hip Hop alcançava o grande público através de obras audiovisuais. E nesse cenário, o empresário e produtor argentino Santiago Malnati, também conhecido como Mister Sam, apostou no grupo Black Juniors. Seu LP "Break" trouxe à tona batidas de disco music e tecnopop da época, mas não se encaixava na definição do rap.
Em 1986, Pepeu e Mike entraram em cena com “Melô do Bastião”, usando um sample do rapper californiano Magic Tric. Essa música é apontada como um dos pioneiros do rap nacional, e Pepeu relata suas primeiras incursões no gênero, partindo de apresentações sem cachê até chegar aos palcos. Sua inspiração? O balanço dos funks originais.
Os primeiros anos do Hip Hop no Brasil são como uma colcha de retalhos, misturando influências inesperadas e experimentações sonoras. Os toca-discos e o boombox eram os tambores da revolução. Cartas, jornais impressos e fanzines eram a rede de comunicação dessa cultura efervescente. E assim a São Bento se tornou o coração pulsante de Festivais e Campeonatos de Breaking, onde o rap ressoava pelas caixas de som, MCs entoavam rimas e DJs agitavam multidões.
NELSÃO: O Triunfo do Homem Árvore
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| Nelson Triunfo, o Homem Árvore |
No mundo das batidas e da cultura de rua do Brasil, Nelson Triunfo é um nome que ressoa como uma sinfonia urbana, carregando consigo uma história que se entrelaça com o surgimento e a evolução do Hip Hop no país. Nascido Nelson Gonçalves Campos Filho, em 28 de outubro de 1954, ele é um dançarino de breaking, músico e ativista social que desbravou caminhos e deixou um legado profundo na cultura brasileira.
Criado nas cercanias do Sítio Caldeirão, na divisa entre Triunfo e o sudoeste paraibano, os primeiros passos de Nelson foram dados entre as raízes do sertão. Aos 16 anos, rumou sozinho para Paulo Afonso, onde a música de James Brown se tornou a trilha sonora que transformou sua vida. Ali nasceu o embrião de sua paixão pela dança, culminando na formação de sua primeira equipe de dança, os Invertebrados.
Sua jornada seguiu por diversos lugares: Bahia, Distrito Federal e finalmente São Paulo, em 1977, com o sonho de viver da dança pulsando forte em seu peito. A trajetória, entrelaçada com grandes nomes da música brasileira, moldou-se pelas vibrações do soul e do breaking, tornando-se destaque nos principais shows e bailes black do país.
Foi em 1983 que Nelson Triunfo e a Funk & Cia levaram o breaking para as ruas do centro de São Paulo, enfrentando a repressão e a visão distorcida da polícia, que via nessa expressão uma ameaça. Romperam as barreiras, e a estação São Bento do metrô se tornou um epicentro do Hip Hop, uma faísca que inflamou a cultura de rua em todo o Brasil.
O alcance cultural de Nelson Triunfo é vasto e eclético. Seu repertório se define como um híbrido entre Luiz Gonzaga e James Brown. A visão artística desse ícone transcende o hip-hop, fluindo entre o soul, o original funk, o reggae e os ritmos regionais brasileiros, mergulhando até mesmo na música nordestina.
Mas Nelson é muito mais que um artista. Ele é um pioneiro em projetos que usam o Hip Hop como uma ferramenta de educação e inclusão social, moldando mentes jovens e promovendo mudanças positivas na sociedade. Sua dedicação resultou na Casa do Hip Hop de Diadema, um projeto que carrega seu DNA até hoje.
Reconhecido por suas contribuições, Nelson Triunfo foi homenageado como cidadão paulistano e recebeu a comenda da Ordem do Mérito Cultural. Sua vida foi registrada em livro e documentário, revelando não só um ícone do Hip Hop brasileiro, mas também um guardião da cultura de rua e um defensor da transformação social.
No palco do Auditório Ibirapuera, em 2014, ele brindou o público com um vislumbre de seu primeiro álbum solo, Do Soul ao Hip Hop, apresentando um mix de ritmos e melodias que capturam a essência de suas influências musicais.
Próxima parada: Estação São Bento
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| Largo da São Bento completamente lotado em uma tarde de sábado dos anos 80 |
Uma vez, o Largo São Bento, onde também há o Mosteiro em homenagem ao santo católico, abrigou mais do que orações e promessas. Foi o epicentro do fervilhar de um movimento revolucionário, do surgimento do Hip Hop paulistano (quiçá brasileiro!). Quem imaginaria que aquelas pedras antigas carregariam o peso de um ritmo que desafiaria a ordem estabelecida?
No princípio, era o pernambucano Nelson Triunfo e a Funk & Cia na Rua 24 de Maio, desbravando o novo ritmo que chegava dos EUA. Passos impressionantes, black powers ao vento e olhares curiosos de quem não sabia o que viria pela frente. Logo, a chama se espalhou. A 24 de Maio virou o coração pulsante do Hip Hop paulistano. Mas com a popularidade, veio a repressão policial. Ah, os anos 80 no Brasil!
Em 1985, a batida mudou de endereço: o Largo São Bento. Ali, aos pés do mosteiro, a cultura Hip Hop floresceu. bboys como João Break e Luisinho lideraram a revolução, transformando o local no ponto de encontro de todos os elementos da cultura Hip Hop.
As batalhas de breaking enlouqueciam o público. Gangs como a Back Spin Crew, Street Warriors, Crazy Crew, Nação Zulu e Jabaquara Breakers – os nomes ecoavam pelas ruas do centro da cidade - disputavam território na São Bento e muitas vezes a disputa saia do campo da dança e ia para as vias de fato. Mas não era só dança, o Hip Hop se instalou ali por completo: rappers, DJs, grafiteiros. Era a escola da cultura de rua, o lugar onde as ideias se misturavam e surgia a identificação com algo mágico.
Mas o Hip-Hop não parou por ali. A 1ª Mostra Nacional de Hip-Hop, ideia de Marcelinho Back Spin, fez mais de 10 mil cabeças balançarem reunindo bboys de todos os cantos do Brasil. Com a popularidade, veio o esvaziamento da São Bento. Compromissos e responsabilidades distanciaram os dançarinos e os sonhos que ecoavam pelas vielas.
O movimento evoluiu, descentralizou-se, tornou-se uma ferramenta de educação e conscientização. A São Bento tornou-se memória, um legado histórico para os que testemunharam sua glória. Mas aquele local, onde sonhos dançavam ao som dos beats, onde as rimas eram declamadas e os grafites desafiavam as paredes, sempre será o berço do Hip Hop no Brasil. Uma verdadeira escola de revolução, onde o groove se transformou em liberdade.
Os discos de 1988
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| Disco A Ousadia do Rap |
Hip Hop Cultura de Rua: O Manifesto Sonoro que Moldou Gerações
Disco Hip Hop Cultura de Rua
Ah, os anos 80! Não havia Spotify, mas havia um estouro sonoro que desafiou a ordem. O Hip Hop brasileiro viu a luz do dia no clássico LP Hip Hop Cultura de Rua, lançado há 35 anos pela Gravadora Eldorado. Esse disco foi o petardo sonoro que mostrou ao Brasil que o rap estava apenas começando sua revolução por aqui.
No epicentro desse terremoto musical, um time heterogêneo de artistas deixou sua marca. De Thaíde & DJ Hum a MC Jack & DJ Ninja, cada faixa desse álbum se tornou um capítulo na história do movimento. E se engana quem pensa que as conexões e os samples foram apenas acasos.
O jogo de produção era peculiar naquela época. Akira S, produtor do grupo O Credo, veio do universo eletrônico e trouxe ares futuristas. Nasí e André Jung, da banda Ira!, deixaram sua marca com Thaíde & DJ Hum, usando samples de Bernard Wright e Trouble Funk para criar o hino “Corpo Fechado”. Dudu Marote, mais tarde conhecido por trabalhar com o Skank, brincou com os sons de MC Jack e Código 13, dando um tom quase orgânico às faixas.
E que faixas! “Corpo Fechado” abriu portas e mentes, sampleando aqui e ali para criar uma batida que era como uma bomba atômica sonora. O Código 13, com o épico “O Código 13, o Tema”, não deixou pedra sobre pedra, desafiando a quem tentasse imitar o verdadeiro espírito Hip Hop.
Ah, e a mensagem por trás dessas rimas! “Homens da Lei”, o primeiro rap a alertar sobre a violência policial, causou rebuliço. Thaide & DJ Hum, mais conhecidos por suas festas, mostraram suas garras com letras que cutucavam as feridas sociais. Mas não pense que o Hip Hop Cultura de Rua era apenas sobre protesto. Era filosofia pura! O Credo discorria sobre a dualidade humana em “O Credo” e “Deus da Visão Cega”, enquanto MC Jack escavava os mistérios do sobrenatural em “Calafrio (Melô do Terror)”.
A mistura de samples, scratches e rimas criou um caldeirão que ferve até hoje. As letras, um retrato da geração, não apenas festejavam, mas também confrontavam questões sociais. E, claro, o título de primeiro LP de Hip Hop do país é polêmico, mas não podemos negar a mão que ele teve em unir os quatro elementos do movimento.
A São Bento, palco de batalhas e inspirações, é o coração desse legado. As crews, Back Spin, Crazy Crew, Nação Zulu e Street Warriors, rivalizavam nas rodas de break e encontraram nesse disco uma representação de suas vozes e ritmos.
Hip Hop Cultura de Rua não é apenas um disco, é um manifesto. Um grito que, mesmo 35 anos depois, reverbera nas ruas e nas mentes daqueles que se deixam envolver pela cultura marginal, quebrando barreiras e desafiando a normalidade sonora.
O Som das Ruas: Batidas, História e Rotações do Vinil que Celebra a Periferia
Disco O Som das Ruas
A década de 80, um período onde o rap dava seus primeiros passos nas ruas, é uma fonte inesgotável de histórias e transformações que moldaram a cultura hip hop no Brasil. Antes do rap fincar suas raízes no solo, havia um período de transição, onde as equipes de bailes como Dynamite, Circuit Power e Chic Show abriam alas para MCs, DJs e bboys, inserindo o Hip Hop na cena musical do país.
Em meio ao cenário de festas, vinis e o auge do rock nas rádios, despontaram dois registros em 1988 que sacudiram as estruturas e criaram as bases para o que viria a ser a era de ouro do rap nacional: "Cultura de Rua" e "O Som das Ruas". Esses marcos iniciais, pioneiros, mas não os primeiros, trouxeram para os discos a essência das ruas, as gangues e os quatro elementos do Hip Hop: MCs, DJs, Grafiteiros e B-boys.
"O Som das Ruas", lançado pela Epi e Sony, foi um celeiro de talentos que revelou nomes como Ndee Naldinho (então conhecido como Ndee Rap), Os Metralhas, Sampa Crew, além de Mister e DJ Cuca. O álbum, com suas dez faixas, transpirava a mistura entre o rap dos bailes e o rap das ruas.
Abrindo o disco, os Metralhas lançaram o grito de protesto “Rap da Abolição”. Com samples de Trouble Funk e colagens de BeSide, a faixa confrontava o preconceito racial e tornava-se um manifesto em prol da luta contra o racismo.
Em meio a essa viagem musical, encontramos o romântico “Sem Querer” de Catito, onde a letra embalava os momentos de dançar juntinho nos bailes dos anos 80. E, sem esquecer a trajetória inicial de Ndee Naldinho, com seu tom mais festivo e direto em “Melô da Lagartixa”, uma antítese ao seu famoso “5º Vigia”.
Dentro desse caldeirão sonoro, "O Som das Ruas" mostrou a essência de um rap mais debochado e sério quando necessário. O LP abraçou desde o romantismo do Sampa Crew até os protestos de De Repent em "Pega Ladrão". E, claro, não podia faltar a diversidade de samples, trazendo batidas estrangeiras que influenciaram diretamente a cena nacional.
É incrível como a música se desenha, desde os gritos de protesto até os romances contados em rimas. O LP serve como uma janela para o passado, onde a diversidade do rap nascia, se segmentava e, após um tempo, voltava a se unir, mantendo sempre presente o seu espírito de denúncia.
Hoje, o rap no Brasil é um mar de versatilidade, mas é crucial relembrar suas origens, a protesto e a denúncia social que o embasaram. "O Som das Ruas" é um tesouro musical que oferece um vislumbre das raízes do hip hop nacional. Quem ainda não embarcou nessa viagem sonora está perdendo uma peça fundamental do quebra-cabeça da nossa história musical.
Hip Rap Hop: O Manifesto Sonoro do Bela Vista que Revolucionou o Rap Nacional
Disco Hip Rap Hop, do grupo Região Abissal
No ano de 1988, em meio às transições pós ditadura e à redemocratização do país, surgiu um marco histórico na cena musical brasileira: o álbum "Hip Rap Hop" do grupo Região Abissal. Em um Brasil que se via entre altos e baixos, lutando com uma nova Constituição e desafios econômicos, o grupo do bairro do Bexiga, em São Paulo, lançou um disco que se tornaria lendário, marcando o rap nacional.
O Região Abissal, formado por uma mistura ousada de dois DJs, quatro MCs e um tecladista, mergulhou na liberdade do experimentalismo e das letras temperadas pelo contexto socioeconômico vigente. Em um cenário de gravadoras habituadas a outros gêneros, o grupo driblou desafios técnicos e entregou um álbum que se mostrava avançado para sua época.
"Hip Rap Hop" é uma viagem pela diversidade do cotidiano. Abre com "Alô Papai", uma abordagem malandra sobre a liberdade sexual, e mergulha fundo em "Sistemão", onde Athalyba critica o estado dos menores abandonados nas ruas. Seguindo a variedade, "Falso Inglês" traz uma brincadeira linguística, enquanto "O Amor Inovou" declara amor em poucas palavras, mas de forma eficaz.
O lado B é um mergulho ainda mais profundo na essência do grupo. "Litoral" convida a fugir do caos da cidade grande, enquanto "Falo Gíria" apresenta a malandragem das ruas. E, claro, "Que Zica Zé" narra uma história peculiar envolvendo o dentista e a polícia, numa trama que é pura malandragem.
Mas é em "O Gueto" que o instrumental ganha peso e Adilsinho entrega um vocal acelerado, narrando o cotidiano de um bairro de quebrada. E para fechar o álbum, "Fulano" traz um desentendimento na favela que termina de maneira trágica, expondo mais uma crônica dos acontecimentos da periferia.
O que fez o "Hip Rap Hop" tão revolucionário não foi apenas a batida, mas a mistura das vozes, das narrativas e das experiências. Foi a fusão de sete cabeças, sete visões de mundo diferentes, sete manifestações de uma cultura marginalizada que encontrou nas rimas e batidas uma forma de expressão.
Apesar das limitações técnicas da época, o álbum do Região Abissal se destaca pela classe e diversidade que trouxe à cena musical. Seja pela complexidade das letras ou pela ousadia dos arranjos, "Hip Rap Hop" permanece um marco, um retrato vívido da essência de uma cultura que nasceu das ruas e que, mesmo em meio às dificuldades, fez-se ouvir e revolucionou.
1989: Consciência Black Vol. 1 - O Pulsar do Rap nas Ruas e Periferias
Numa revolução sonora que ecoou pelas vielas e becos da periferia, o ano era 1989 e um marco histórico começava a tomar forma: o álbum "Consciência Black Vol. 1" da Zimbabwe Records. É interessante notar que esse registro, muitas vezes enigmático quanto à sua data de nascimento, é como um vinho, cujo valor cresce com o tempo, ganhando camadas e nuances, o que só aumenta seu apelo para a cultura underground.
Antes de o Racionais MC's emergir como a voz contundente das quebradas, este álbum serviu como o embrião desse fenômeno, com seu lado A batizado de "Consciência" e o lado B, "Lado Black". A abertura com "Absoluto" do Street Dance ecoava uma aura promissora, seguida pela estreia marcante de Sharylaine com "Nossos Dias", anunciando uma nova voz feminina nas rimas.
O pulso se intensificava com "Pobreza" do Criminal Master e se desdobrava em reflexões e provocações em "Loucos e Loucas" de Frank Frank, culminando com a explosão de "Pânico na Zona Sul" do próprio Racionais, já mostrando a contundência e a força que viriam a ser suas marcas registradas.
No "Lado Black", a jornada musical se aprofundava com Grand Master Rap Junior e a envolvente "Minha Musa", seguida pela poesia crua de MC Gregory em "Changeman Neguinha". O interlúdio instrumental "Melô da Massa" e o desabafo de Edi Rock e KL Jay em "Tempos Difíceis" encerravam essa odisseia sonora.
É irônico e ao mesmo tempo poético que um álbum que causou confusão sobre sua data de nascimento, que foi abraçado pelas ruas e periferias sem precisar de rótulos ou validações, seja agora celebrado em todo seu esplendor, como um tesouro enterrado que finalmente encontrou seu merecido reconhecimento.
O "Consciência Black Vol. 1" não é apenas uma coletânea musical, mas um testemunho vivo da resiliência e da força da cultura marginalizada que, mesmo nas adversidades, ergueu sua voz, suas histórias e suas lutas, esculpindo no asfalto as letras e ritmos que ecoam até os dias atuais, ecoando como um manifesto das ruas que reverbera eternamente.
O Legado Feminino
Rúbia (RPW), Sharylaine e Rose MC
Não podemos avançar sem antes falar das minas que pavimentaram a estrada do Hip Hop em nosso país. Nesse cenário nomes como Kika Maida, Rose MC, Sharylaine e outras heroínas e heróis marcaram sua presença. O Hip Hop nasceu da visão de uma mulher: Cindy Campbell, que organizou o marco histórico em 11 de agosto de 1973, o nascimento oficial da cultura Hip Hop. Cindy, a irmã de DJ Kool Herc, foi a primeira a unir MCs, DJs, B.Boys, B.Girls e Grafiteiros em um evento precursor, pavimentando o caminho para uma revolução cultural que se espalharia pelo mundo.
Mas nas entrelinhas desse movimento, a trilha das mulheres foi traçada de forma diferente. Enquanto muitos homens encontravam oportunidades e destaque nos jornais e rádios, as mulheres lutavam por seu espaço, firmes na ideologia, usando o Hip Hop como uma ferramenta de expressão. Sharylaine e o grupo Rap Girls ousaram desafiar esse padrão, com pioneirismo e garra, mas enfrentaram as barreiras do reconhecimento e investimento.
Enquanto nomes como Thaíde & DJ Hum e Racionais MCs eram alçados aos holofotes, elas mantinham a chama acesa, resistindo pelo ideal e pela paixão à arte. Sharylaine conseguiu, apenas após quatro décadas, lançar seu álbum solo e isso com recursos próprios, demonstrando que o caminho foi árduo, mas sua mensagem permaneceu imaculada.
Entretanto, o silenciamento das mulheres não é exclusivo do Brasil. O mundo do Hip Hop viu produtoras pioneiras como Sylvia Robinson nos EUA e Ieda Hills por aqui, cujos feitos foram deixados nas entrelinhas da história. Mulheres que abriram caminho, que teceram a tapeçaria musical, mas cujos nomes não ecoaram tão alto quanto deveriam.
Os Quatro Pretos Mais Perigosos do Brasil
Numa selva urbana em que as batidas do rap nasciam nos becos e vielas, surgiu um grupo que viria a se tornar não apenas um ícone musical, mas uma voz que ecoaria por gerações. O Racionais MC's surge no calor da periferia de São Paulo, emergindo da fúria das ruas e se transformando no retrato mais fiel da luta dos excluídos e oprimidos.
Imagine-se nos anos 80, quando o rap nacional dava seus primeiros passos e o Racionais surgia com uma mensagem avassaladora. Mano Brown, Ice Blue, Edi Rock e KL Jay se uniram para trazer à tona o grito sufocado das periferias, onde o racismo, a brutalidade policial e a miséria eram o cotidiano.
O nome do grupo, inspirado no disco "Tim Maia Racional", revelava desde o início o caráter desafiador e provocativo do quarteto. Sua estreia no álbum “Consciência Black, Vol. I” trouxe os primeiros sinais de sua grandiosidade. Com "Pânico na Zona Sul" e "Tempos Difíceis", o grupo abriu as portas para um novo capítulo na história do rap nacional.
O Racionais não se limitou à música; o grupo se tornou voz ativa nas comunidades, levando suas palavras e visão de mundo para escolas, eventos filantrópicos e manifestações, denunciando as injustiças sociais que assolavam a periferia paulistana.
Com o lançamento de Raio X Brasil, em 1993, o grupo não apenas conquistou o coração das quebradas, mas ganhou destaque nacional. Faixas como "Fim de Semana no Parque" e "Homem na Estrada" ecoavam não só nos bailes de rap, mas nas rádios de todo o país, levando a mensagem contundente dos Racionais para um público mais amplo.
O sucesso, no entanto, veio acompanhado de resistência. Confrontos com a polícia, prisões e uma postura antimídia marcaram a trajetória do grupo, que se recusava a ser absorvido por uma indústria que não entendia sua essência e luta.
Sobrevivendo no Inferno, de 1997, foi o álbum que projetou o Racionais para além das fronteiras das quebradas, alcançando um público diverso e conquistando meio milhão de cópias vendidas. Mas mesmo com o sucesso, o grupo jamais perdeu sua identidade, sua raiz nas ruas e sua mensagem crua sobre a realidade das periferias.
Em 2002 veio o disco Nada Como Um Dia Após o Outro dia e trouxe músicas como "Negro Drama", "Vida Loka I" e "Vida Loka II" são mais do que músicas; são hinos que ecoam nas vielas como um grito de liberdade. A luta do grupo vai além das canções, transcende para a representatividade que oferecem aos jovens marginalizados, a coragem em expor a realidade esquecida e a resistência em permanecer fiel às suas raízes.
Com um legado que ultrapassa gerações, o Racionais continuou a ser referência não apenas na música, mas como ícones de resistência e voz das ruas. Seu último lançamento, Cores & Valores, de 2014, mantém viva a chama de um grupo que não se cala diante das injustiças, que não se dobra frente à opressão e que continua a ser o grito de uma geração em busca de justiça social.
O Racionais MC's são mais do que um grupo de rap; são a encarnação da resistência, a voz das periferias e o símbolo de uma luta constante por igualdade e dignidade. Eles são a prova viva de que a música pode ser muito mais do que sons; pode ser a narrativa de uma revolução em busca de um mundo mais justo.
O Hip Hop brasileiro evoluiu, incorporando elementos locais. Artistas como Racionais MC's trouxeram letras profundas, abordando questões sociais. O movimento se diversificou com estilos regionais, mas manteve sua essência combativa.
Assim, do Bronx aos guetos brasileiros, o Hip Hop transcendeu fronteiras e desafiou a marginalização, tornando-se um fenômeno cultural que vai muito além da música, abraçando a arte, a expressão e a resistência.
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